Opera müziği

Venedik operası

1637'nin başlarında, ilk kamu opera binası olan Venedik'teki Teatro di San Cassiano'nın (kentin varlıklı tüccar ailelerinden birinin ticari girişimi) açılışı, opera gelişiminde belirleyici diğer bir faktördü. Bu olay nihayetinde operayı telif ve asaletin münhasır himayesinden çıkardı ve İtalyan kent nüfusunun en fakir sektörleri dışındaki herkese ulaşabildi. Yüzyılın sonunda, Venedik'te bir dizi operaya ayrılmış dokuz ticari tiyatro vardı. Tiyatroların hepsi aynı anda çalışmasa da, yine de yerli ve uluslararası seyircileri cezbetti ve gerçekten yarıştı. Böylece, entrika, kılık ve aldatma unsurlarını içeren ve ayrıntılı makine gerektiren daha sansasyonel konulara sahip araziler lehine 17. yüzyılın ortalarında bir eğilim başladı. Opera'nın ticarileştirilmesi şarkıcıların etkisinde de artışa neden oldu; castrati'nin öne çıkması (şimdi tamamen olgunlaşmış göğüsleri ile güçlendirilmiş çocuksu seslerinin yüksek aralığını ve saflığını korumak için ergenlikten önce kast edilmiş erkekler); ve ritatiflere karşı aryalara eşlik eden bir vurgu.

Batı tiyatrosu: Opera

Rönesans tiyatrosunun en dayanıklı ürünlerinden biri de operaydı. Floransalı bir toplum olan Camerata'nın deneylerinden doğdu

Monteverdi'nin bir öğrencisi Francesco Cavalli, 1639 ve 1669 arasında Venedik'in opera evlerini iki düzineden fazla operayla donatarak çağının en popüler opera bestecisi oldu. Cavalli, müziğe dramatik güç ve dürüstlükle aşıladı. Operalarının en ünlüsü Giacinto Andrea Cicognini'nin libretto'su fartik bölümler içeren Giasone (1649; “Jason”) idi. Cavalli'nin Venedik rakibi ve halefi, mirası yaklaşık bir düzine opera, özellikle de Orontea (1656; Cicognini tarafından libretto) içeren Pietro Antonio Cesti idi. Yüzyılın son yarısında Venedik bestecileri arasında Antonio Sartorio ve Giovanni Legrenzi ve 18. yüzyılın başlarında Venedik ve diğer şehirler için 49 opera oluşturan Antonio Vivaldi; Vivaldi'nin operalarının çoğu artık kayboldu. Tür kurulduktan ve aristokrat patronaj kesildikten sonra opera skorlarının pahalı yayını durduruldu. Operaların çoğu sadece bir sezon sürdü, ardından yeni görevlendirilen eserler aldı. Sadece 20. yüzyılın sonlarından beri bu operaların bazıları, özellikle Cavalli olanlar, kurtarıldı ve canlandırıldı.

Venedik operaları, komik ve ciddi unsurların bir karışımı olan imkansız arsaların basit bir ezberde ortaya çıktığı ve ariasların yeni, lirik bir deyim aldığı abartılı işlerdi. Arias genellikle strofik formda (aynı müziğe söylenen stanzlar) ve akan üçlü metrede (üçlü gruplar halinde vuruşlar) ve bazıları arsanın etkileyici yüksek noktalarını uzatan tekrarlayan bas paternlerine (ostinatos veya zemin basları) sahipti. Venedik bestecileri, birçok solo arias ve düet için ayırt edici stiller ve formlar geliştirdiler ve Floransalı mahkeme yapımlarında daha önemli bir rol oynayan ve Roma çağdaşları için önemli olmaya devam eden koroya çok az dikkat ettiler. Bunun sonucunda, ritatif ve arya arasındaki ayrılık ve solo şarkıcılara eşlik eden odak, önümüzdeki 200 yıl boyunca opera'nın karakteristik özellikleri haline geldi. Dahası, bir operadaki arias sayısı yavaş yavaş arttı - 17. yüzyılın ortalarında yaklaşık 24'ten 1670'e kadar 60'tan fazla. Böylece, bir opera müziğinin şiirinden ve dramasından ayrılmaz olarak Floransalı (ve Monteverdian) görüşü. kısa süre içinde setlerin ve kostümlerin görsel unsurlarını beğenen, müzikal detaylandırmadan etkileyici bir yapıya göre daha fazla zevk alan ve opera şirketleri arasında ve rakipleri arasında rekabetin geliştiği bir atmosfer sağlayan ücretli Venedik izleyicilerinin zevkleri ve istekleri tarafından tersine çevrildi. yüksek ücretli yıldız şarkıcılar.

Diğer İtalyan şehirlerinde operasyonel stillerin geliştirilmesi

İtalyan şehirlerinin birçoğu, 17. yüzyılda tanınmış opera tarzları geliştirdi. Zengin hükümdarların operaya ateşli sponsorlar olduğu Roma'da librettistler konu çeşitlerini azizlerin efsanelerini içerecek şekilde genişletti. Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi ve Michelangelo Rossi gibi Roma bestecilerinin çoğu, her eylem için vokal toplulukları ve koro finalleri (dansla) ekleyerek Floransa geleneğini izledi. Arias ve resitaller arasındaki kontrastı artırarak, ariasların dramatik sürekliliği kesintiye uğratmasına ve resitalleri müziksel olarak daha konuşkan ve daha az ilginç hale getirerek Floransa stilinden ayrıldılar. Aynı zamanda (Venedikliler gibi) hakim trajik hikayeleri hafifletmek için komik bölümler kullandılar ve eylemlerden veya eylem bölümlerinden önce enstrümantal tepkiler ve tepegöz benzeri parçalar tanıttılar.

İki Roma bestecisi - Mazzocchi'nin kardeşi Virgilio ve Marco Marazzoli - genellikle ilk tamamen komik opera olan Chi soffre speri'yi (1639; “Acı Çeken, Umut Veren”) yarattığı belirtiliyor. Libretto, 1667'de Clement IX olarak papalılığa yükseltilecek olan Giulio Cardinal Rospigliosi tarafından yazılmıştır. Rospigliosi'nin en ünlü librettosu Sant 'Alessio (1632; “Saint Alexis”), Landi tarafından, kadın rollerinde castrati de dahil olmak üzere tamamen erkek bir oyuncuya ihtiyaç duyan bir ayar verildi - Roma'da kadınların izin verilmediği başka bir opera özelliği sahnede şarkı söylemek. Opera, 20. yüzyılın sonlarında başarılı bir şekilde yeniden canlandırıldı, yeni eğitilmiş, virtüözik kontrastörler, aslında castrati için tasarlanan rolleri aldı.

Opera aynı zamanda kentin ilk daimi opera binası Teatro San Bartolomeo'nun 17. yüzyılın ortalarında kurulduğu Napoli'deki müzik yaşamının önemli bir parçasıydı. 1700 yılında Napoli, büyük ölçüde Roma'da ün yapmış olan Alessandro Scarlatti'nin çalışmaları ve etkisiyle İtalyan operasının merkezi olarak Venedik'e rakip oldu. Scarlatti, 1684 ve 1702 yılları arasında San Bartolomeo için 66 operasının en az 32'sini, İspanyol Mirası Savaşı'ndan (1701-14) Roma'ya dönmesine neden olmadan yazdı. Operalarından La caduta de 'Decemviri (1697; “Decemvirs'in Düşüşü”) - 62'den az arias içermeyen Silvio Stampiglia'nın bir librettosunda - tiyatro kariyerinin zirvesinde Scarlatti'yi temsil ediyor. 1709'da Napoli'ye dönmeden önce Roma, Floransa ve Venedik için operalar yazmaya devam etti. Bununla birlikte, operalarının stili o zamanlar modası geçmiş olmaya başlamıştı.

Operada, 17. yüzyılın sonlarında Venedik'te ortaya çıkan neoklasik bir hareket, komik sahnelerin ve karakterlerin librettisini temizlemeye ve Fransız oyun yazarlarının Pierre Corneille ve Jean Racine'nin yüksek dilini kullanan trajedilerine dayanarak daha basit arsalar talep etmeye başladı. libretto'nun bir günde ve tek bir yerde veya ortamda tek bir arsaya sahip olmasını gerektiren Klasik zaman, yer ve eylem birliği idealini onayladı. Bu değerler, bir opera buffinden (çoğul: opere buffe) veya “komik opera” dan farklı olarak opera serisi (çoğul: opere serisi) veya “ciddi opera” olarak bilinen bir opera türüne yansıdı. Scarlatti'nin opere serisi, duyguları ve kişilikleri, özellikle Napoliten opere serisiyle ilişkili bir tür aria olan bir dizi da capo arias ile ifade edilen 10'dan az karaktere sahip birleşik araziler kullanımlarında örnek niteliğindedir. Da capo aria üç bölümde büyük ölçekli bir formdu (ABA), üçüncüsü de ilkini “capo ya da kafadan” tekrar ediyor - yani başlangıçtan beri. Form, ana fikri enstrümantal ritornelli tarafından çerçevelenen müzik ve metin tekrarlarıyla dolu ayrıntılı bir solo haline getirilen bir veya iki karakteristik müzikal motif tarafından yakalanan bir özlü, kafiyeli şiirden oluşuyordu. Bestecinin her bir arenadaki amacı, belirli bir karakterin zihinsel durumunun müzikal portresini eylemin o noktasında - eyleminkine benzer bir işlev - şekillendirmek için geniş bir tutku aralığından bir veya iki duygu tasvir etmekti. bugün sinematik yakın çekim durdurma. Scarlatti, ariaslarını sıra dışı kalite ve derinliklerle doldurdu ve onlara zengin ve çeşitli enstrümanlar sağladı.

Scarlatti'nin ardılları arasında dikkat çeken şey, Nicola Porpora, Leonardo Vinci ve Leonardo Leo gibi bestecilerdi. Bu nesil genellikle Metastasio olarak bilinen dramatik şair Pietro Trapassi ile işbirliği yaptı - belki de çalışmaları 19. yüzyıla kadar 400 besteci tarafından belirlenen 18. yüzyıl librettistlerinin en büyüğü. Mitolojik kahramanlar, Metastasio ve Venedik selefi Apostolo Zeno'nun etrafında dönen parseller, mitolojik kahramanlar, Metastasio ve Venedik selefi Apostolo Zeno'nun etrafında dönen arazilerle devam ediyor, resmi güzellik ve dilsel netlik metinleri yazdı, komik bölümlere ve karakterlere üç eylemde ciddi, genellikle trajik konuları (opera seria) tercih etmek.

Napoliten operası, opera seria ile olan ilişkisine ek olarak, simetrik, dengeli ifadelerde sunulan zarif vokal melodilerinin ön planlamasına dayanan, bazen gallant olarak da adlandırılan, hafif, etkileyici bir stile işaret ediyordu. Bu melodiler, daha önceki ariasların (Barok döneminin kabaca 17. ve 18. yüzyıllara karşılık gelen) sürüş ritimlerinden arınmış ve sesle rekabet etmekten ziyade daha basit bir eşlikle karşılandı. 18. yüzyılın sözde Viyana Klasik stili ile ilişkili hale gelen özelliklerin çoğu - özellikle Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart ve Ludwig van Beethoven'ın enstrümantal müziği - kökenleri Napoliten operasının ses tonu tarzındaydı.

1730'a gelindiğinde İtalyan operası, bazen çeviri, Kopenhag'dan Madrid'e ve Londra'dan Moskova'ya kadar 130 Avrupa şehri ve kasabasına gelmişti. Opera seria'nın gittikçe katılaşan ve dramatik olmayan sözleşmeleri, Venedik besteci-şair-devlet adamı Benedetto Marcello tarafından 1720'de yayınlanan morer hiciv Il teatro alla moda (“Tiyatro à la Mode”) gibi eleştirilere yol açtı. Rekabetçi ve arya, nadiren topluluklar ve koroların temel unsurları günümüze kadar korunmuş, ancak birbirleriyle ilişkili oranları değişmiştir. 18. yüzyılda İtalyan operası gerçekten uluslararası bir araçtı ve başarılı bir bestecinin şöhret ve servet elde edebileceği tek araçtı.