Portreler
Örneğin Pisanello ya da Jan van Eyck tarafından çizilen 15. yüzyıldan kalma portreler, bunların konsantrasyonu, yürütülmesi ve mekanın dağıtımında tamamlanmış resimsel çalışmalar olarak düşünülebilir. Net, özenle tasvir edilen temsil, gerçekçilik için çabalayarak yüzeyin her detayını takip eder. Detay bakımından zengin olan profil tercih edilir; kabartma benzeyen, madalyon benzer. Daha sonra saf profile önem veren üç çeyrek profil, daha mekansal etkisi ile, yüzyıllar boyunca klasik portre duruşunda kalmaya devam etti.
Resim ile yakın ilişki, 15. yüzyılın neredeyse tüm portre çizimleri için geçerlidir. Dürer'in imparator Maximilian'ı çizmesi gibi bir çalışma bile bir resim için portre çalışması olarak ortaya çıktı. Bununla birlikte, aynı zamanda, Dürer'in bazı portre çizimleri, sanatsal bir girişimin son aşamasını açık bir şekilde somutlaştırıyor, diğer 16. yüzyıl portreistlerinde de görülebilen bir kararsızlık. Fransa'da Jean ve François Clouet ve İsviçre'de daha genç Hans Holbein ve aynı yüzyılda İngiltere'de daha belirgin olarak, özellikle çeşitli renklerde tebeşirle bir çizim tamamlandığında portre çiziminde bir özerklik bahsetti. Daha kesin ortam için daha az kendi kendine yeten daha yumuşak ortam, konturlama ve düzlem elemanları ile daha hassas iç çekme, bu çizimlere daha canlı, daha kişisel bir karakter verir ve resme olan yakınlığını bir kez daha vurgular.
Polikromatik tebeşir tekniğinde ve pastelte portre çizimi 19. yüzyıla kadar bağımsızlığını korumuştur. 18. yüzyılda, Quentin de La Tour, François Boucher ve Jean-Baptiste Chardin -Fransa'dan bu sanatçıların hepsi- baş uygulayıcıları arasındaydı ve hatta 19. yüzyılda yaşayan Ingres bile tekniğini kullandı. Pastel boyada, portre diğer tüm konulara ağır bastı.
Poz, tip ve yürütme seçiminde, portre sanatı, diğer sanat formları gibi, bir dönemin genel üslup özelliklerinden etkilenir. Bu nedenle, geç Barok ve Rokoko'nun aşırı resimsel tutumunu, tek renkli teknikleri tercih eden ve siluetin özel formunu, siyahla doldurulmuş alanla bir profil kontur çizimini geliştiren Neoklasisizm sırasında daha ciddi bir anlayış izledi. 15. yüzyılın öncüllerine kuşkusuz borçlu olan 19. yüzyılın başlarında portre çizimlerinin yaratıcıları, en özenle seçilmiş grafik ortamlarda elde edilen detay ve plastik etkilerin kesin bir şekilde yorumlanmasını amaçladı: ince, sert kalem en sevdikleri enstrümandı, ve gümüş nokta da Romantikler tarafından yeniden keşfedildi.
Portrenin psikolojik yönleriyle daha fazla ilgilenen, 19. ve 20. yüzyıl sonları ressamları her sanatsal dürtüden sonra gelen yumuşak boya kalemlerini tercih ettiler. Karakteristik elemanların ele geçirilmesi ve yeterli bir düzlem yorumlaması, onlarla gerçekçi detaylardan daha ağırdı. Duygudurum unsurları, entelektüel gerginlik ve kişisel angajman, modern portre ve dolayısıyla modern portre çiziminin tipik özellikleridir, bu da sanatçının kişisel işçiliğini çeşitli tekniklerin özelliklerinin ötesinde belgelemeye devam eden bir sanattır.
Manzaralar
15. yüzyılın başlarında, peyzaj çizimleri de, belirli bir resmin arka planı için bitmiş çalışma ile bağımsız, bağımsız bir taslak manzara arasında ayrım yapmak zor olacak kadar yeterince özerkliğe ulaşmıştır. Zaten Jacopo Bellini'nin (British Museum ve Louvre'daki albümlerde korunan) 15. yüzyıl eskiz defterlerinde, doğa çalışması ve resimsel yapı arasında samimi bir bağlantı var; Titian'ın 16. yüzyıldaki stüdyosunda manzara eskizleri resimsel arka planlar için öneri olarak gösterilmiş olmalıdır.
Ancak peyzajı hatırlanan bir imaj ve özerk bir sanat eseri olarak, kısacası, başka eserlere başvurmadan kendi teması olarak geliştiren Dürer'di. Her şeyden önce onun suluboyaları, aynı zamanda iki İtalyan yolculuğunun, Nürnberg çevresinin ve Hollanda yolculuğunun çizimleri, en eski saf manzara çizimlerini temsil ediyor. Bu mutlak formülasyonda bu çizimler tekrar ortaya çıkmadan yüzyıllar geçmesi gerekiyordu.
Peyzaj elemanları da 16. yüzyıl Alman ve Hollanda çizimlerinde ve resimlerinde çok önemliydi. Çoğu durumda hala mevcut olan figüratif temsil, özellikle Tuna Okulu - Albrecht Altdorfer ve Wolf Huber'in çalışmalarında resmi olarak orman ve çayır manzarasına oldukça entegre edilmiştir. Diğer okullardan daha sık olarak, burada dikkatle yürütülen doğa görüşleri bulunur. Hollanda'da Pieter Bruegel, her iki durumda da özerk çalışmalar olarak topografik görünümlerin yanı sıra serbest peyzaj kompozisyonları çizdi.
17. yüzyılda, doğa çalışması ve ondan büyüyen manzara çizimi yeni bir yüksekliğe ulaştı. Accademia degli Incamminati'nin (örneğin Domenichino'nun) manzara çizimleri klasik ve mitolojik temaları kahramanca manzaralarla birleştirdi. Roma'da yaşayan Fransız Claude Lorrain, şimdiye kadar ulaşılamayan atmosferik kalitede manzara çizimleri oluşturarak açık havada çalıştı. Poussin ve Roma'da yaşayan diğer Kuzeyliler tarafından da tasvir edilen bu tür ekili ve idealize edilmiş manzara (Hollanda'dan pek çok sanatçının Roma'da yaşadığı gerçeği göz önüne alındığında, Hollanda çizimleri neredeyse eterik bir kaliteye ulaştı), kendi ülkelerinin manzarasını tasvir ederken öncelikle Hollandalılar tarafından tutulan kahramanca, doğaya yakın peyzaj kavramının aksine. Tüm manzara ressamları - manzara resimleri, sanatsal olarak uzmanlaşmış Düşük Ülkelerde güçlü bir şekilde temsil edilen bir uzmanlık alanı - ayrıca bağımsız manzara çizimleri (örneğin Jan van Goyen ve Jacob van Ruisdael ve amcası ve kuzeni) yarattı, Rembrandt yine özel bir pozisyonda: bir bölgenin özelliklerini genellikle sadece birkaç vuruşla yakalayarak, onları en küçük formatta bile anıtsal ifade gücü elde edecek şekilde geliştirdi. 18. yüzyıl İtalya'sında, topografik olarak sadık peyzaj çizimi, kendi aralarında bir grup oluşturan (görüşler arasında) “Vedutisti” nin gelişi ile önem kazanmıştır (aralarında Giambattista Piranesi ve Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) graticulate frame ve camera obscura gibi optik yardımcılarla. Sanatsal özgürlüğün yanı sıra hayali manzaraların manzara çizimleri Hubert Robert'ın aralarında bazı Fransız sanatçılar tarafından en başarılı şekilde yapıldı; resimsel ve atmosferik olarak, bu temalar, etkisi 20. yüzyıla kadar uzanan Turner ve Alexander Cozens gibi İngiliz sanatçıların fırçalanmış manzaralarında ikinci bir çiçeklenmeye ulaştı.
Tasvirlere olan güçlü ilgileri göz önüne alındığında, 18. yüzyıl Neoklasisizm ve daha da romantizmi olan ressamlar doğayı topografik doğrulukla gözlemlediler. Yeni bir “keşif” olarak, romantik ve kahramanca abartılmış Alp dünyası, İtalyan manzarasının arkeolojik görüşüyle birlikte sanatçının zihninde yerini aldı.
Manzara çizimleri ve daha da fazlası, suluboya, 19. yüzyılda tükenmez bir tema oluşturdu. Fransız sanatçı Jean-Baptiste-Camille Corot ve yüzyılın sonlarına doğru Cézanne ve van Gogh, manzara çizimlerinin baş yaratıcıları arasındaydı. Manzaralar, birçok 20. yüzyıl ressamının çalışmalarının bir parçasını oluşturdu, ancak yüzyılın çoğunda, bu tür, konunun sadece bir başlangıç noktası olarak ele alındığı genel form sorunlarına ikinci sırada yer aldı. Bununla birlikte, 20. yüzyılın son 30 yılında, çok sayıda Amerikalı sanatçı temsile geri döndü ve böylece manzaraya bir konu olarak yeniden yatırım yaptı.
Şekil kompozisyonları ve natürmortlar
Otonom çizimin ana temaları olan portre ve manzara ile karşılaştırıldığında, diğerleri daha az öneme sahiptir. Şekil kompozisyonları büyük ölçüde zamanlarının resmine bağlıdır ve genellikle doğrudan onunla bağlantılıdır. Kesin olarak, çizimlerinde 17. yüzyıl gravürcüsü ve etcher Raymond de La Fage gibi anıtsal resim temalarıyla ilgilenen sanatçılar vardı; ancak genel olarak, şekil kompozisyonunun sanatsal amacı, çizimin temsil ettiği, ancak yararlı bir yardım ve bir yol istasyonu olduğu resimdir. Özellikle 17. yüzyıl Düşük Ülkelerinde (örneğin Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade ve Jan Steen tarafından yapıldığı gibi) ve 18. yüzyıl Fransa ve İngiltere'de popüler olan tür sahneleri bazı bağımsız duruşlara kavuştu. 19. yüzyılda da günlük yaşamın hikayelerini anlatan çizimler vardı; genellikle karaktersel olarak açıklayıcı olarak, sadece çok renkli biçimden değil, sanatsal uygulamalarında da “küçük resimler” olarak adlandırılabilirler.
Yine de yaşamlar, özellikle 17. yüzyıldan beri popüler olan Hollandalı sanatçı Jan van Huysum'unki gibi, çiçeklerin temsillerinin özerk çizimler olduğu iddiasında bulunabilir. Burada yine, iyi tasarlanmış bir düzenlemenin derhal bir doğa çalışmasını resimli bir kompozisyona dönüştürdüğü doğrudur. Bu kompozisyonların bazılarında resim ile benzerlik çok güçlüdür; 19. ve 20. yüzyıl sanatçısı Odilon Redon'un pastelleri veya 20. yüzyıl Alman Ekspresyonist Emil Nolde'nin çalışmaları, kromatik yoğunluğu ile çizim ve resim arasındaki tüm çizgiyi aşar. Hareketsiz yaşamlarda, manzaralarda olduğu gibi, formun otonom prensipleri modern sanatçılar için olgusal açıklamadan daha önemlidir.
Hayali ve temsili olmayan çizimler
Hayali ve hayali temalarla çizimler dış gerçeklikten daha bağımsızdır. Rüya görünümleri, başkalaşımlar ve gerçekliğin farklı düzeylerinin ve bölgelerinin iç içe geçmesi geleneksel temalar olmuştur. Hieronymus Bosch'un 15. yüzyılın sonlarındaki fantasmagorik eserleri erken bir örnektir. 16. yüzyıl Flaman sanatçısı Pieter Bruegel ve 17. yüzyıl Fransız sanatçısı Jacques Callot'un karnaval gravürlerinin alegorik köylü sahneleri var. Eserleri, manzara ve portre dışında çizim ile neler yapılabileceğini gösteren diğerleri: 18. yüzyıl İtalyan gravürcüsü Giambattista Piranesi, 18. yüzyıl Anglo-İsviçreli sanatçı Henry Fuseli, 19. yüzyıl İngiliz ressam Walter Crane, 19. yüzyıl Fransız Sembolist sanatçı Gustave Moreau ve 20. yüzyıl Sürrealistleri.
Temsili olmayan sanat, çizim, nokta, çizgi, düzlem gibi temel öğelerin saf biçime indirgenmesi ile yeni zorluklar sundu. İlişkisel maddi ve mekânsal ilişkilerin feragat edilmesi yoluyla, çizim boyutlarının ve çeşitli ortamların yapısının ortaya çıkması yeni bir önem kazanmaktadır. Düzlemdeki çizginin grafik özellikleri ve işaretlenmemiş alan daha önce vurgulanmıştı - örneğin, 16. yüzyılda Giuseppe Arcimboldo'nun grotteschi'sinde (insan ve hayvan formlarının genellikle birbirlerine ve yeşillik, çiçek, meyve veya benzeri temsiller ile iç içe) ve moresques (yaprak ve çiçeklere dayanan güçlü stilize lineer süs) gibi kaligrafik egzersizlerde - ama çoğunlukla en farklı dekoratif görevler için baskı veya gravür modelleri olarak (iç dekorasyon, mobilya, mutfak eşyaları, mücevher, silah ve benzeri).
