Cantata ve oratorio
Önde gelen Napoliten opera bestecileri, enstrümantal eşlikli solo ses için laik bir form olarak ortaya çıkan madrigalin - kantatanın Barok halefinin kurulmasına yardımcı oldu. Giacomo Carissimi formu, önceki resitalleri ile iki veya daha fazla ariastan oluşan bir ayette kısa bir drama olarak standardize etti. Çanta, Carissimi'nin öğrencileri Marc-Antoine Charpentier; Louis Nicolas Clérambault geleneği Barok döneminin sonlarına kadar sürdürdü. Kutsal ve laik müzik arasındaki soluk üslup ayrımıyla, kantata, özellikle Lutheran Kilisesi'nin başlıca dekoratif servis müziği haline geldiği Almanya'da kilise amaçlarına hızla dönüştürüldü. Dietrich Buxtehude ve Johann Kuhnau, bu tür kilise kantataslarının önde gelen bestecilerinden ikisi.
Yeni konçerto teknikleri, kitle, hizmet, motet, marş ve chorale gibi yerleşik kilise müziği biçimlerine uygulanırken, Rönesans stillerinden ve türlerinden açıkça ayrışan yeni biçimler ortaya çıktı. Tutku hikayesinin hatip ve ayarları, operalar ve ritatifler, aryalar, vokal topluluklar, enstrümantal aralıklar ve korolardan oluşan neredeyse aynı hatlarda eşzamanlı olarak gelişti. Emilio del Cavaliere, La rappresentazione di anima e di corpo (Ruh ve Bedenin Temsili) ile oratorio'nun “kurucusu” idi. 1600 yılında Roma'da üretilen bu eser, gerçek hatipin aksine aktörler ve kostümler kullandı. Carissimi ve Alessandro Scarlatti, oratorio'nun baş Barok bestecileri ve Venedik'teki Giovanni Gabrieli ve Monteverdi'nin öğrencisi Heinrich Schütz, bu alanda 17. yüzyılın önde gelen Alman bestecisiydi.
Enstrümantal müzik
Le nuove müziğinin yeni teknikleri, enstrüman müziklerinde, özellikle de refakatsiz sesler için önceden yazılmış türlere (örneğin, motet) katıldıkları için duyuluyordu. Enstrümantal müziğin formları ve ortamları esasen aynı kaldı, ancak oldukça farklı bir vurgu ile. Örneğin, ud, dramatik prodüksiyonların sürekli eşlik etmesinin en yaygın aracı olarak klavsenin yükselmesiyle hızlı bir şekilde statüsünü kaybetti. Geleneksel kilise aracı olan organ konumunu korudu ve gelişen formları özümsedi.
Eski formların değiştirilmesi ve genişletilmesi
Rönesans'ın dans çiftleri, 17. yüzyılın ortalarında, temelde dört danstan oluşan dans süitlerine dönüştü: allemande, courante, saraband ve gigue, bazen daha önce takılan gavotte, bourrée ve minuet gibi isteğe bağlı danslarla son hareket. Varyasyon formları - chaconne (bir dizi armoninin veya bir bas temasının sürekli tekrarlandığı), passacaglia (temanın tekrarlandığı, ancak basta zorunlu olarak olmadığı), iyi bilinen melodilerdeki zemin basları ve varyasyonları - popüler olmaya devam etti. Serbest formlar, boyut ve yaratıcılık olarak büyürken Rönesans öncüllerinin kalıplarında da devam etti. Tokkata, prelüd ve fantasia, üç temel enstrümantal doku-taklitçi kontrpuan, kordal homoponisi ve virtüöz geçiş çalışması - kombinasyon, değişim ve kontrast kullanılarak çok kesitli formlara genişletildi. Rönesans fugal formları, esas olarak canzona ve ricercar, yavaş yavaş geç Barok fügüne evrimleşti ve cantus firmus kompozisyonları, liturjik işlevlerinin bir sonucu olarak gelişmeye devam etti.
Sonat ve Konçerto
Barok döneminde enstrümantal müziğin yeni ana kategorileri sonat ve konçertodu. Başlangıçta kanzadan türetilen enstrümantal topluluk parçalarına uygulanan sonata terimi, 18'in ortalarından 20. yüzyıla kadar enstrümantal müziğe egemen olan bir formun tanımı haline geldi. Klavye tezahüründe, bir dans takımı hareketine benzer ikili (iki parçalı) bir yapıydı. Küçük topluluk için, bir sonata da chiesa (“kilise sonata”) adı verilen bir bağımsız hareketler dizisine (genellikle yavaş-hızlı-yavaş-hızlı bir düzenlemede) veya sonat da kamera (“oda sonatı”) adı verilen bir dans takımına dönüştü). Özellikle üç keman (veya flüt veya obua) ve sürekli çello için trio sonat vardı. Sonunda, benzer formlar orkestra (sinfonia veya konçerto), küçük bir grup özellikli enstrüman (orkestra grosso) içeren orkestra veya orkestra ile solo bir enstrüman (solo konçerto) için kabul edildi. Konçertonun temel prensibi, enstrümantal grupların ve müzik dokularının zıtlığıydı.
Dönem boyunca klavye müziği, özellikle Hollanda'daki Jan Pieterszoon Sweelinck, Almanya'daki Johann Pachelbel ve Almanya'daki Johann Froberger, İtalya'daki Girolamo Frescobaldi ve İspanya'daki Domenico Scarlatti'nin elinde gelişti; Fransa'da baş üsler Rameau ve François Couperin'di.
Enstrümantal topluluk müziğine, hem oda hem de orkestra, ağırlıklı olarak Bologna, Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi ve Giuseppe Tartini gibi besteciler üreten Bolonya'nın okulu olan İtalyanlar tarafından yönetildi. İngiltere'deki Purcell ve Fransa'daki Couperin ve Jean-Marie Leclair, İtalyan enstrümantal topluluk müziği modellerinden etkilenen diğer ülkelerdeki birçok bestecinin temsilcisidir.
